Riflessione contemporanea

Sono stata all’inaugurazione di una mostra, sabato scorso e mi sto ancora arrovellando sul motivo per cui un artista può rendere “arte” qualunque cosa (perché è intoccabile ciò che lo illumina mentre elabora la sua creatività assolutamente soggettiva) e uno che scrive se la deve vedere con un mare di vincoli e di pregiudizi.

L’evento, “Fra artisti”, organizzato in occasione della XV Giornata del contemporaneo, prevedeva l’esposizione delle opere del pittore inglese Jonathan Hynd e quelle del pittore/scultore americano Steven Meek. Sono andata perché i quadri del primo mi piacciono, ma non conoscevo l’altro artista e la curiosità ha aumentato il mio entusiasmo.

Alle 19:00 ero in zona Trastevere, con un posto auto libero tutto per me a due passi dalla galleria (una botta di culo pazzesca.) La sala era gremita di avventori che camminavano lungo il perimetro della stanza, chi con occhi flosci, chi con sguardi ammirati: nella parete di destra c’erano i lavori di Jonathan Hynd, su quella di sinistra le installazioni di Steven Meek, opere di intensità diversa, con l’unico aspetto in comune di essere rappresentazioni di arte contemporanea.

L’astrattismo di Hynd ha qualcosa di magnetico, mi offre gli stimoli giusti per dare forma a idee che, pur non essendo state concepite nella mia testa, è nella mia testa che assumono un significato ben preciso.

Questo quadro è il mio preferito:

il blu lapislazzuli predominante mi dà una grande serenità, penso proietti una luce che rilassa e lo guardo, lo riguardo, lo fotografo (senza resa effettiva, purtroppo) sorseggiando un bicchiere di vino. 

In quello vicino vedo una donna inginocchiata con un bambino accanto; la postura sconfitta, quasi religiosa, mi racconta una storia di sofferenza rimarcata dal vuoto della superficie che la circonda, ma in realtà, sto solo osservando una macchia di colore nero, pigmenti rilasciati da un pennello su un cartone da imballaggio.

Okay, l’astrattismo ha questo di affascinante: dà spazio a tutte le interpretazioni che la fantasia elabora. Può non piacere, ma mi rendo conto che oggettivamente ha un suo incontestabile perché artistico.

Tuttavia, l’arte contemporanea contempla anche manifestazioni di totale, incomprensibile, anarchia creativa, alla quale non riesco a dare una collocazione e che non so in alcun modo giustificare.

Finito il giro fra i paesaggi espressionistici fortemente materici di Jonathan Hynd (così sono descritti nella brochure che prendo da un tavolo), passo nel lato opposto della sala, dove, al centro di una grande parete bianca, svetta in tutto il suo arcano significato la prima delle opere di Steven Meek:

Cos’è? 
Non lo so. Non mi suscita niente: due quadrati più un rettangolo (forse sono di legno), disposti in verticale, dipinti in tre colori; quello al centro reca la scritta “Out of time”.

Ah, è un omaggio al film con Denzel Washington, penso d’istinto. E già che un’opera artistica me ne ricordi una cinematografica non è di grande spessore intellettuale. Ci sono intenditori, probabilmente, che pagherebbero cifre astronomiche per avere un pezzo della collezione Meek nella camera da pranzo della propria casa:

io, invece, mi sento una cliente di Iperceramica che osserva i campioni di piastrelle in cerca di quella adatta per rimattonellare il bagno.

Che poi, e chiudo la parentesi “pretesto per fare un’altra considerazione”, immedesimarsi nel pippone scritto nel depliant di presentazione dell’artista, per provare a darne una soddisfacente chiave di lettura, diventa un’impresa persino più eroica del trovare un senso alle opere in sé.

Nelle sue opere Steven Meek con coraggio travalica molti confini. Il suo linguaggio naviga in molti mondi e sfugge a semplici categorizzazioni. Una sapiente giustapposizione caratterizza così un linguaggio altamente personale che si esalta quando si cimenta con i limiti, come la linea di confine tra il cielo e un edificio o i margini tra due colori. L’opera unica di Steven Meek elabora molteplici livelli per formare nuove, complesse relazioni. Possiamo pensare ad ogni opera come un collettivo, ciascuna come una singola collezione di demarcazioni e di esperienze. Attraversamenti che sono un piacere per l’occhio ed una sfida per la mente.

Che ha detto?

Colgo solo la verità dell’ultima frase: “una sfida per la mente”. Che perdo, infatti.

Ora, siamo d’accordo che l’arte contemporanea è “concettuale”, trascende l’opera per farsi portatrice di un messaggio, di un pensiero; i critici studiano l’idea che sta dietro la sua concreta realizzazione, vanno al di là del dato visivo e chiamano “arte” anche ciò che è ordinario, se questo “ordinario” è rappresentativo di un universo nascosto.

E sul piano letterario, che accadrebbe se si volesse sfruttare questa “concettualità” per giudicare un’opera?

Ve lo dico io: lo “sperimentatore” verrebbe fatto a pezzi.

Non parlo di idee e costruzioni originali di un romanzo, parlo proprio di una scrittura che si faccia voce di un’espressività totalmente soggettiva. Nessuna regola, nessun filtro, solo pura dettatura del libero pensiero.

Forse solo i grandi possono permettersela: penso a Cortázar o a Foster Wallace; se fosse un aspirante a fare “astrattismo” con le parole finirebbe di aspirare ancor prima di cominciare a costruire il suo sogno.

Qualche anno fa, uno scrittore in erba mi scrisse chiedendomi se avevo voglia di leggere il suo romanzo. Ero ancora nella fase “credo nelle potenzialità degli aspiranti scrittori” e gli risposi che lo avrei fatto. Dopo una pagina ho detto stop: poteva essere un’opera geniale, ma per me era solo illeggibile. 

Dove andremo a finire, una volta capito il nostro significato esistenziale?

Un magma profondo e caldo ci avvolgerà come se fossimo stalagmiti travolte dai flutti del vulcano in eruzione di ideali.

Assimilando storie e leggende, carpiremo mai la sintassi del percorso? E' esso in effetti grammaticale, o si struttura tra pentagrammi musicali, cucendo note su di un tessuto fine di ricordi?

Iniziava così. 

Ma non vi sembra di leggere la presentazione di un’opera d’arte contemporanea come quella di mister Meek, nel volantino della mostra? 

Allora mi chiedo: perché la “Merda d’artista” è l’emblema provocatorio del successo nell’arte contemporanea e la “Merda di scrittore” può essere solo destinata all’autopubblicazione?